Friday, February 27, 2015

Vanessa Stafford’s Journey, By Brian Mc Cracker

Cleaning Ballet, Farhat Art Museum collection

"A lively expression of color…”, says Emily thoughtfully.
“Whoa! Totally sick!” brays Rosie the Barrista.
They are both complementing the paintings of Vanessa Stafford, an artist who specializes in the subtlety of night scenes, of light and water, and city scenes… a visualist painter, a narrative artist, whose current canvasses have the tones and flavors of Klee, Gaugin, Chagall, and James Doolin. Her earlier work is surrealistic whimsy that floats closer to Peter Max or Aubrey Beardsley than Heironymous Bosch. Current paintings are more structured and harmonic, but still tinged with a dream-state and a curiously muted intensity. A musical rhythm is evident in her orchestration of movement that unifies disparate elements. That is an extension of her training as a cellist, as well as the influence of her parents, both jazz musicians.There is also a sense of boldness of imagination and a willingness to pursue it. 
For nearly thirty years Ms. Stafford has been a significant artist in the seaside community of Santa Cruz, California. She began at the age of fourteen decorating eggs in traditional Baltic style and colors, selling them for eight dollars each. Today, her canvasses hang on the walls of collectors and, tellingly, on the walls of other artists. She has exhibited at San Francisco’s Palace of the Legion of Honor as well as at galleries across the United States and internationally.

Birthday, Farhat Art Museum collection

“I respect her work quite a bit” declares Russel Brutsche, a Santa Cruz artist who exhibits extensively in the West. As a mutual member of Artwork Network, an informal artist support group, Mr. Brutsche has watched Ms. Stafford’s style and technique progress for ten years. He notes her interest in capturing movement and the quality of light in night scenes as an indicator of her personality and style. ”She uses a lot of glazing in her acrylic…in fact, to the max…to get a sense of depth. But it is not just her unique and distinctive style that strikes me. It is the fact that she chooses challenging projects. She really takes chances. Vanessa is not a safe painter.”
Another artist, Kevork Mourad, says, “Vanessa Stafford is highly gifted. She has an insightful use of light. I love her colors… Her colors are vibrant.”
“Doing realistic scenes and going after the essence of nature, including the chaos, is crucial in art because that is where original ideas come from.” says Stafford. “A combination of order and chaos is important. Too much orderliness is sterile. Too much chaos is self-destructive. I grew up in a very chaotic background. I wanted order. But looking back I see the value in the chaos. I am pleased when images manifest themselves on paper or canvas. I do art for my own satisfaction but I do like to show and I do care what other people think of my art. I want the people who buy my works to see them as joyful, magical. They should be warm, graceful, to be loved.”

Chaos and Order, Farhat Art Museum collection

Stafford paints scenes of inner journeys and external realities with command of her mediums, which include watercolor, pen and ink, oil, acrylic, and inlaid glass mosaic. “I especially like the intensity, biting vibrancy, and versatility of acrylic,” she explains. “Oil I use when I want a softer effect. Something I am getting interested in is hiking and discovering the patterns in nature, for example, the abstract quality of streams. You can see the pattern of strips of sunlight going through to the bottom, and then you can see the shadows. I am very intrigued and challenged by the transparent quality of water and of the patterning in different layers as it appears, disappears, and reappears very quickly. I focus on the different levels of light and shadow: at the surface, in the middle of the water, and the bottom, integrating them with their patterning on plants, boulders, muddy ripples, coarse pebbles, sodden leaves, fine sand, moss, and organic debris. It’s tricky stuff but that’s what’s challenging to me. It’s totally thrilling and challenging, because it’s like, IMPOSSIBLE! Most people think it’s impossible, but I think, ‘Yes, I can!’, and I will!” Ms. Stafford’s ability to become absorbed in reflection over the puzzles of patterns during her walks has a hazard: “I sometimes walk into trees!“, she says.
From her home on a bluff overlooking Santa Cruz Harbor, the sound of breaking surf and barking elephant seals rolls faintly through the screen door. The air in her living room is scented with sea salt and linseed oil. One wall is a shrine to her mother. The other walls are covered with her framed paintings. More are stacked in a corner. In another corner is her painter desk speckled and daubed, an elegant black cat sleeping in a banded rectangle of sunlight leaking through the Venetian blinds. A bookcase spills books onto the carpet, especially her favorite author, Katherine Anne Porter. CDs, classical and jazz, are stacked near the boom box pointed at her work area. Debussy is playing as she paints. “I get visual images while listening to music. I don’t like to draw silence or be in silence as I create.”
Ms. Stafford’s journey to her current level of technical expertise was a long and thoughtful one: “When I first started painting I used watercolors, and I would lay down the idea with ink lines. I used a German technical instrument called the Rapidograph. My other school chums had them as well, and we loved using them. We used the tiniest line imaginable, called a four ot line (in terms of line width). I would draw these very fragile outlines and then paint in the colors with watercolor. My beginning watercolors were very pale, as I applied the color hesitantly. I was a teenager (14 years old) and was shy. Those paintings looked shy. About twenty years later I had exhausted the possibilities of watercolor. I wanted to use colors that were stronger, or different, or be able to get a different ‘look’ to my paintings. I started using acrylics. Acrylics are sort of like watercolors, since they are water-based, but they have a polymer binder in the pigments which allows you to paint in an ‘opaque’ way. I started with acrylics by squeezing the color out of the tube, onto a palette, and thinning them down quite a bit. I painted the so called ‘undercoat’, the very basic background colors. Then with the next applications of color I would squeeze the color out of the tube and not thin it down as much, so that the brush strokes began to be opaque. I would use the opaque strokes selectively, like the side of a building for example. That's a good place to lay down opaque brush strokes. I would use a flat brush of different sizes, anywhere from a 4 "000" (small tip) to a 1 "0" (wider tip). I experimented using opaque brush strokes and fusing water into a part of that brush stroke to make it suddenly thin. That would create a variety of opaque levels, as well as create a change in texture. An example might be a boat harbor scene where the surface of the water changes and has opaque parts and translucent parts.
I also wanted to become proficient at oil paintings since they are so traditional. I was determined to ‘conquer’ oils. Oil paint is basically opaque: you can achieve a translucent layer with enough linseed oil, but it looks funky because it produces a very uneven surface texture if you thin it too much. I painted "nature" subject matter, like dead tree branches halfway submerged in a pool of water. I painted outdoor scenes, like that salt pool place in Moss Landing. I did get a lot of practice in. I was out there in the fields with other artists, and it was a blast. Very exciting and adventurous. But my back paid a price for hauling around all these heavy easels, canvases, boxes with oil tubes, and brushes.
It was a lot of physical work but I painted a lot and when you keep painting you develop this automatic response, kind of like driving a car. You're not thinking about every little maneuver when you're driving, it becomes automatic. You know when to down-shift and do it evenly, without thinking about it. That's the way it is with painting when you do enough of it. Part of the painting process becomes automatic, and you can experiment while in that automatic mode. It’s like combining opposite modes(automatic with experimental) to achieve something new.

Still Life, Farhat Art Museum Collection

There's an intuitive aspect to experimenting. You have to try things without analyzing it too much, otherwise there's a premeditated look, a kind of predictable flatness that happens. If you let these weird brush stroke combinations of thick and thin, opaque and translucent happen, it has this fresh spontaneity. I think it takes years to paint in a stream of consciousness kind of way. You have to be very familiar with the media you're using. Usually in the beginning, when a painter is not familiar with the media, the paintings look stilted. It's interesting how brush strokes and applications of color can portray confidence , or lack of it!”
Another aspect of Stafford’s career is her teaching. She has a teaching credential in Art from San Jose State University. “I’ve taught art classes in public schools”, she says. “I like the enthusiasm of elementary school students. They usually like my classes because I have really fun art projects. I design art lessons for the different age groups. There are lessons I have that involve introducing watercolors as a medium, as well as other mediums. For example: pastels, colored pencils. I give short, entertaining lectures (for short attentions spans) and teach the basics. At older ages I'll introduce one point, two point perspective lessons. I'll show the railroad tracks disappearing into the horizon, explaining the vanishing point as the rail road tracks come to a point off in the distance. Nine year olds are old enough to grasp some of these concepts, as long as you use concrete examples. Perspective can get very confusing and tedious but it's important. Otherwise they might be in a state of ignorance for the rest of their lives. The fun part is opening their world. For a lot of them, this is the first time that they have experienced Art. I like teaching. I like opening the door of possibilities for other people."

Friday, February 20, 2015

أعمال عدنان يحيى ... لوحات ترفض الموت بقوة الحياة ,بقلم محمد أبو زريق

عدنان يحيى , صبرا وشاتيلا, مجموعة متحف فرحات

عدنان يحيى من الفنانين القلائل الذين كرسوا ابداعهم للقضية الفلسطينية او تحت ضغطها ووعيها ابتداء من هول التهجير القصري الى المجازر والشهداء وصولا الى معايشات الواقع الراهن من حصار وقمع وارهاب وقد تناول ذلك كله بأسلوب فني يجمع ما بين الاحتراف والتمييز من حيث طرح الخطاب وانفعاليته مستندا على تقنيات وأساليب متعددة كالميل الى الكاريكاتير أو اللجوء الى استعمال الرمز أو الاشارة والحروفية والخط واللون في اجواء سوريالية وتعبيرية مختلفة .
بدأ مشواره الفني بداية الثمانينيات من القرن الماضي معتمدا على التعبيرية الخطية مستفيدا من قراءاته الروائية في رسم الشخصيات خاصة تلك التي تعود لكبار الروائيين العالميين وقد كانت تلك المرحلة كنوع من البحث عن شخصيته المستقلة التي لا ترى في الفن الا ذلك الجانب التعبيري الملتزم بقضايا الانسان خاصة ما يتقاطع منها مع قضيته الأولى فلسطين ولعل الحدث المهم الذي ثور لوحاته هو مجزرة صبرا وشاتيلا التي أخذت منه العديد من السنوات وهو يحاول التعبير عن هولها وقد جاءت هذه الأعمال بالأبيض والأسود تسندها خطوط تعبيرية واستفادات كاريكاتيرية عبرت عن مأساة الحدث ثم بدأت الألوان تدخل لوحاته بشكل خجول في البداية وعبر المراحل المختلفة  التي تطور بها فنه الى ان اصبح اللون العنصر الأهم في لوحاته .

عدنان يحيى, الشرق الأوسط,2003 , مجموعة متحف فرحات

ولأن عدنان لا يقنع بمنجزه خاصة تحت ضغط الأحداث المأساوية التي تحدث  كل يوم في فلسطين فإن مجزرة الحرم الإبراهيمي في الخليل ستحدث نقلة اخرى لديه مستفيدا من شاهد الضريح وأرضية الحرم لتصبح منصة الحدث ورمزا له ، فقد لعب على هذا المشهد في أعمال كأنها تخطيطات ملونة لنصب تذكارية يمجد فيها الشهادة بل ان هذه النصب ستتحول تدريجيا الى كتل بيضاوية تتطور لتأخذ شكل الرأس الإنساني ، والذي اتخذ منه وسيلة للتعبير عن شخصية الديكتاتور كرأس ضخم يرتكز على آلاف المسحوقين من البشر ثم يصوره مفرغا من المحتوى من خلال البيضة المتآكلة الفارغة او من خلال الذات المتضخمة التي تتكدس على صدرها الشارات والنياشين والتي افرغت من محتواها لمفارقتها مع الشخصية التي تحتل بزتها العسكرية .
ان الأشكال الإنسانية التي تتكدس وتتناثر كأنها زواحف او حشرات هو تعبير عن السحق والنعاناة وتحول الانساني الى ما هو أدنى وهي حيوات تتصادم وتذوب في كتلة تبدو متحدة لكنها تحمل سمات تنافرها على المستوى الموضوعي ، وهي تمثل رؤيته كشاهد رأي وعايش الحالة الانسانية من داخلها فما كان منه الا ان يستعين بما قرأه وشاهده وعايشه فتحول الانسان الى صرصار يعيدنا الى كافكا وابرازه للأم كشخصية قوية يعود الى رواية الأم جوركي ، بل انه لا يرتكز على قراءاته الروائية وعلاقة ذلك بحياته الشخصية فقط ولكنه يسندها بحس كاريكاتيري سوداوي كأداء ، وتقنيات التحبير والتلوين كخامات ، وصولا الى تعبيرية تتطابق تماما مع شخصيته ، حين وجد نفسه وجها لوجه مع واقع اليم هو أحد ضحاياه ، فقد عانى النفي والتشرد كغيره من الفلسطينيين ، ولم تكن مذبحة صبرا وشاتيلا ، إلا الشرارة التي حولت خطوطه المغرقة في تفاصيل هائمة غامضة ، الى خطوط تتطابق مع ما يحس به ، فكما لو أن الموت والعنف والدمار ، قد وجد نقيضه في لوحة ترفض الموت بقوة الحياة المتمردة الكامنة فيها .

Wednesday, February 11, 2015

L'artiste Brenda Louie , par Hussein HUSSEIN

L'artiste Brenda Louie 

C’est à Toi Shan, un village d’une des provinces de Chine, que verra le jour Brenda Louie en 1953, d’un père calligraphe (Lui Chiu Sheung) par lequel elle sera ultérieurement influencée. Elle voyagera à Hong Kong au début des années soixante puis immigrera aux Etats Unis en 1972. Ses études en économie ne l’empêcheront pas de poursuivre d’autres en Histoire de l’art et en calligraphie chinoise, qui forment avec la littérature, la philosophie et l’art, sa vraie passion. Elle obtiendra une Maîtrise en peinture de l’université de l’Etat de Sacramento (CSUS) en 1991 et une autre en Beaux Arts de la prestigieuse Université de Stanford en 1993. 

Abordant en majeure partie la peinture, la sculpture et l’installation, l’art de Louie est un livre ouvert à l’esprit qui le convoite ralliant le visuel au mental. Son art est une fusion entre l’esthétique des cultures qui l’empreignent, celle de son pays natal et celle de l’Amérique, sa deuxième patrie, à la recherche de la  ‘‘lingua franca’’ ou langue véhiculaire qu’elle se sentait responsable de trouver afin d’éduquer le public avec une approche originale à travers une technique où s’harmonisent aquarelle, encre de chine rouge ou noir, papier, graphite  medias qui répondent à des conventions propres à l’artiste.

Figure 1 The white wedding

 Á la recherche de l’Eternité
Dès ses premières œuvres les influences par l’écriture chinoise sont traduites par une abstraction frôlant un divisionnisme reflété par des touches organisées, légèrement étendues, comme soumises à une attraction qui les  rapproche les unes aux autres pour reconstituer de nouvelles formes qui au fur et a mesure se géométrisent, puis s’aplatissent  en une couleur franche qui contraste avec le pointillisme étincelant et coloré des touches en pétales qui semblent soumises à une force centrifuge qui leur trace une trajectoire, parfois en spirale, parfois en cercle, évoquant un cycle eternel qui frôle l’acte de la fécondité et contraste avec la  fatalité du sujet. Ce dynamisme en spirale se serait déjà manifesté dans une des installations antérieures Le Mariage blanc (Fig.1) où des pierres légèrement rapprochées les unes des autres prennent un mouvement en spirale, celles-ci, comme étiquetées en guise d’identité, semblent dégager une tension magnétique dirigée vers le centre et s’élevant vers un tissu blanc suspendu. Cette sensation d’apesanteur semble figer le temps. La  spirale dans la double hélice de l’ADN au tourbillon des galaxies, à la notion de mouvement et d’évolution,  symbole de la vie en mouvement et en inachèvement, est aussi la mise en dialectique du temps humain et de l’éternité.
Tout semble répondre à un code que l’artiste nous invite à déchiffrer à travers des structures biomorphiques qui l’organisent et d’où surpassent des cercles et des ovales, en phloèmes, en xylèmes ou en cellules humaines. La vie est omniprésente dans l’œuvre de l’artiste qui tente de dépasser l’apparence et s’infiltre  dans la composition microscopique de la matière (fig. 2).

Figure 2 Flowers from the sky series, the Earth, watercolors, white graphic ink and Chinese ink on treated cotton paper, 2007

 Le thème de la nature,  fréquent,  se manifeste en rivière ou en fleurs.
 Le concept de l’eau, traduit par la rivière, est un excellent élément de communication ayant mit naissance à la culture. Chaque rivière possède son identité mais toutes servent l’humanité en connectant les peuples. Elle reconnait elle-même que la rivière jaune et dorée sont des concepts profondément enfouis dans ses origines. 

La série des Fleurs du ciel (Flowers from the Sky Series, the Earth (fig.2) évoque un espace, où les planètes se trouvent recouvertes de cellules, en cercles adhérent l’une a l’autre, en une agglomération qui forme des sphères retenues sur des tiges, et le tout en fleurs rependant leur pollen.  Toute cette flore, Louie la regroupe dans un jardin qui lui est propre ralliant flore et constellations en touches gracieuses organisées. 

La transfiguration de la pensée 
L’organisation est un attribut de l’œuvre de Louie qui dénote d’une forte spiritualité, ses cercles, que ce soit sur le sol ou sur le mur créent une tension par l’écart calculé qui accentue la dimension mentale de l’œuvre (fig.2) et (fig. 5).  Les éléments répondent  à un ordre qui semble ralentir le temps, un silence s’établit, silence d’un temple où est vénéré l’homme. Elle dira elle-même qu’elle considère son studio être comme son temple.

Figure 3 Mapping of memory series I, graphite on Mylar over collage materials
Figure 4 The foot journey series, graphite on Mylar over collage materials

Cette dimension mentale se manifeste au mieux à travers les installations et dessins par l’intermédiaire desquels Louie visualise le mécanisme de stockage et de l’interprétation de la mémoire en généralisant quelques critères que le public est incité à découvrir d’une nouvelle  façon en généralisant sa propre perception  qu’elle rend presque commune à l’humanité, les œuvres The Mapping of Memory (fig.3) et Foot Journey series (fig. 4) en témoignent. 

Même si la conception que prône l’artiste n’accède pas facilement au public, l’œuvre retient au minimum ce dernier et le plonge dans une méditation qui ne le laissera pas indifférent. Ces œuvres puisent des cartes ancestrales et des essais d’anatomie populaires en chines, à l’instar de ceux de l’acupuncture. Un quadrillage adéquat et mystérieux, des dispositions stellaires, le coloris du support usé, tentant de localiser le temps à travers la liberté de l’homme qu’elle traduit par le pied symbole de la marche et de la conquête, et le cerveau, symbole de l’intellect et le savoir. L’emploi fréquent du cercle dans l’œuvre de Louie n’est pas hasardeux il répond à une notion philosophique et mathématique qui introduit un langage  visuel supplémentaire, comme dans The Book of Zero (Fig. 5).

Figure 5 Book of Zero series II, 2004, Crocker Art Museum Sacramento, California

Le cercle dans son symbolisme commun représente le tout fini et infini, l'unité et le multiple, le plein et la perfection comme l'est le Créateur de l'Univers, en  Zéro il symbolise l’absence et l’énergie primaire ou point de départ de tout comme l’explique Louie, et incarne l’œil à travers duquel on voit l’univers. L’artiste interprète cet effet en utilisant l’encaustique et des couches représentant le monde caché, avec un collage obscur qui fait allusion à la mémoire tout en alternant des éléments personnels que Louie emprunte des calligraphies de son propre père, donnant à l’œuvre une subjectivité ralliant l’œuvre à l’artiste. Louie se verra concernée par les souffrances de l’humanité, elle le manifestera à plusieurs reprises dans des œuvres comme The Rat Fest, évoquant la famine, et  Let’s A Hundred Flowers Blossom Series, qui ramène à ‘‘La campagne des Cent fleurs’’, une tragédie qui fera des milliers de victimes en 1957, ou The Book of Zero honorant les martyrs des peuples ayant sacrifié des vies. 

La rencontre avec John Cage influencera la pensée créative de Louie et à travers des professeurs comme Oliver Jackson, Joan Moment, William Allen, Roger Vail, Gerald Walburg, Nathan Oliveira, David Hannah, Kristina Branch, Joel Leivick, Frank Lobdell, Richard Randell, Larry Thomas et d’autres.  L’art de Brenda Louie s’est individualisé dans sa recherche du dialogue entre le conceptuel, l’abstrait et la représentation qu’il traduit d’une façon assez originale qui lui valent une reconnaissance des musées et galeries de la communauté artistique aux Etats Unis, aussi bien que de nombreux prix lui furent décernés. 
Comme elle l’a dit elle-même, son œuvre reflète la fusion et le mélange unique de la culture Américaine contemporaine et les traditions de l’Est. Sa production est abondante et ses expositions nombreuses. Aborder son art de façon détaillée ne pourra être cerné en quelques pages, chaque exposition individuelle se caractérise par un concept particulier, mais on peut en déduire une atmosphère imprégnée de spiritualité et de sérénité incontestables.

Hussein HUSSEIN.
Le 2.02.2014